Un accord est un ensemble de plusieurs notes jouées en même temps. Chaque accord part d’une note principale appelée tonique et sert à construire l’harmonie d’un morceau. Sa couleur, qu’elle soit majeure, mineure, diminuée ou augmentée, influence directement l’émotion ressentie dans la musique. Par exemple, un accord de do majeur (C) est formé des notes do, mi et sol. Il crée une impression de stabilité et de clarté, souvent utilisée pour exprimer la joie ou l’équilibre. À l’inverse, un accord de do mineur (Cm), composé des notes do, mi bémol et sol, évoque une atmosphère plus mélancolique ou introspective.
Lexique
Mini-dictionnaire des termes essentiels de la musique, de la production et du business.
A
Accord
Album
Un album est une œuvre musicale complète regroupant plusieurs morceaux liés entre eux par un thème, une histoire ou un style. Il sert à présenter l’identité artistique d’un musicien ou d’un groupe sur une durée plus longue qu’un single ou un EP.
Un album peut contenir 8 à 20 morceaux ou plus et permet de développer un univers sonore cohérent, d’explorer différentes ambiances et de raconter un récit musical.
Automation
Arpège
Un arpège est un accord dont les notes sont jouées successivement au lieu d’être jouées en même temps. Il permet de donner du mouvement et de la fluidité à une progression harmonique. L’arpège met en valeur chaque note de l’accord et apporte une texture plus douce ou plus expressive à la musique. Par exemple, si vous jouez un accord de do majeur en arpège, vous jouez les notes do, mi et sol l’une après l’autre. Ce procédé est souvent utilisé à la guitare ou au piano pour créer une ambiance plus mélodique et émotionnelle.
B
Basse
La basse est l’instrument ou la piste qui joue les sons graves dans un morceau, apportant profondeur, rondeur et stabilité à la musique. Elle relie les percussions aux accords, donnant au morceau une base solide et un groove clair.
Qu’elle soit électrique, acoustique ou synthétique, la basse est utilisée dans presque tous les styles musicaux. Elle soutient la mélodie, renforce le rythme et rend le morceau plus vivant, en donnant une sensation de mouvement et de chaleur qui rend l’écoute plus agréable et immersive.
Beat
Un beat est le rythme de base d’un morceau de musique. Il sert de fondation pour la mélodie et les harmonies, guidant les musiciens et les auditeurs dans le tempo. Dans un morceau de hip-hop, on retrouve souvent une grosse caisse, une caisse claire et un hi-hat qui se répètent régulièrement pour structurer la chanson.
Beatmaking
BPM
Bridge
C
Cadence
Clap
Le clap est un son percussif sec et court, souvent utilisé pour marquer le rythme dans une production musicale. Il imite le bruit d’un claquement de mains et se situe généralement sur les temps forts d’une mesure, en particulier dans le rap.
Un clap peut être enregistré, samplé ou synthétisé. Il sert à renforcer la snare ou à ajouter un groove plus humain et dynamique au beat. Certains producteurs empilent plusieurs claps ou les traitent avec des effets (réverbération, delay, compression) pour créer une texture plus riche et percutante.
Compression
La compression est un traitement audio qui permet de réduire la différence entre les sons les plus forts et les plus faibles d’un signal. Elle sert à équilibrer le volume d’un enregistrement et à rendre le son plus constant, plus contrôlé et plus professionnel.
En ingénierie musicale, la compression est utilisée sur les voix, les batteries, les basses ou le mix global pour maintenir une dynamique cohérente. Dans un DAW, elle se règle à l’aide de paramètres comme le threshold (seuil d’activation), le ratio (intensité de la compression), l’attack (temps de réaction) et le release (temps de relâchement).
Compression multibandes
La compression multibandes est une forme avancée de compression audio qui divise le signal sonore en plusieurs plages de fréquences (basses, médiums, aigus) avant d’appliquer une compression distincte à chacune d’elles. Cela permet un contrôle plus précis du son et une meilleure gestion de la dynamique selon les besoins de chaque zone de fréquence.
Cette compression est souvent utilisée sur le mix global ou sur des instruments complexes comme la voix ou la basse, afin d’équilibrer le rendu sans écraser le reste du spectre. Par exemple, on peut resserrer les basses tout en laissant les aigus plus libres, pour un son à la fois puissant et clair.
Concept
Souvent mentionné dans l’univers K-pop, le concept désigne l’identité artistique et visuelle qu’un groupe ou un artiste adopte pour une chanson, un album ou une promotion. Il sert à définir l’image, le style, l’attitude et l’univers général de la performance, en cohérence avec la musique et le storytelling.
Un concept peut être mignon, sombre, élégant, futuriste, rétro, ou même basé sur un thème narratif précis. Les agences de K-pop l’utilisent pour marquer l’originalité de chaque retour, coordonner les tenues, les chorégraphies, les clips et les contenus promotionnels, créant ainsi une expérience globale et reconnaissable pour les fans.
Contre-mélodie
Une contre-mélodie est une mélodie secondaire qui accompagne la mélodie principale d’un morceau. Elle sert à enrichir l’arrangement, créer des interactions musicales et ajouter de la profondeur et du mouvement à la composition.
La contre-mélodie peut être jouée par un instrument ou chantée par une voix supplémentaire, et elle est souvent placée de manière à compléter ou contraster avec la mélodie principale sans la supplanter.
Consonance
La consonance désigne l’association de notes ou d’accords qui s’accordent naturellement et sonnent agréablement à l’oreille. Elle est utilisée pour soutenir la mélodie, donner un sentiment de sécurité à l’auditeur et équilibrer les passages plus tendus créés par des dissonances.
Les producteurs et compositeurs manipulent consonances et dissonances pour guider les émotions et la dynamique d’un morceau, rendant l’expérience musicale plus expressive et vivante.
Couplet
Le couplet est une section d’un morceau où l’histoire ou le message principal de la chanson se développe. Il sert à introduire des idées, raconter une narration ou exprimer des émotions, tout en préparant le refrain ou le hook.
Chaque couplet peut contenir des paroles différentes, mais conserve généralement la même mélodie et la même harmonie, créant une cohérence musicale. Cette structure alterne avec le refrain, le bridge ou d’autres sections, permettant de construire une progression qui maintient l’intérêt de l’auditeur tout au long du morceau.
D
DAW
L’abréviation DAW, pour Digital Audio Workstation, est un logiciel de production musicale qui permet d’enregistrer, composer, arranger, mixer et masteriser de la musique sur ordinateur. C’est l’outil central de tout beatmaker et ingénieur du son.
Chaque DAW possède sa propre interface et ses fonctionnalités, mais toutes offrent une base commune : pistes audio et MIDI, effets, instruments virtuels et outils d’édition. Des logiciels comme Ableton Live, FL Studio, Logic Pro, Cubase ou Pro Tools sont parmi les plus utilisés selon les styles et les besoins.
Une DAW sert aussi bien à créer une maquette rapide qu’à produire un morceau complet prêt pour la distribution. Elle remplace le studio analogique traditionnel en rassemblant tous les outils nécessaires à la création musicale dans un environnement numérique unique.
Delay
Le delay est un effet audio qui répète un son après un court laps de temps, créant une impression d’écho ou de profondeur. Il peut être subtil pour élargir un mix, ou plus marqué pour donner un effet rythmique ou spatial.
Le principe est simple ; le signal d’origine est copié puis rejoué après un délai défini (en millisecondes). Selon les réglages, les répétitions peuvent être uniques, multiples ou se dégrader progressivement, comme si le son s’éloignait.
Direction artistique
La direction artistique en musique consiste à définir et superviser l’identité visuelle, sonore et conceptuelle d’un artiste ou d’un projet musical. Elle sert à créer une cohérence entre la musique, l’image, le style et la communication, renforçant ainsi l’impact et la reconnaissance de l’artiste.
Le rôle d’un directeur artistique inclut le choix des visuels (clips, pochettes et photos), le style vestimentaire, l’ambiance des concerts et parfois même l’orientation musicale ou les collaborations. Dans une production, la direction artistique veille à ce que chaque élément, du son au visuel, transmette le message et l’émotion souhaités de l’artiste accompagné.
Dissonance
La dissonance désigne la combinaison de deux ou plusieurs sons qui créent une tension à l’oreille. Contrairement à la consonance, qui donne une sensation d’harmonie et de stabilité, la dissonance évoque un déséquilibre, une émotion forte ou un conflit sonore temporaire.
Dans la composition, elle est utilisée pour exprimer une intensité particulière, susciter une réaction émotionnelle ou préparer une résolution harmonique. Par exemple, un compositeur peut introduire une dissonance avant de revenir à un accord plus stable, créant ainsi un effet de relâchement et de satisfaction.
Distorsion
La distorsion est un effet audio qui modifie le signal d’un instrument ou d’une voix en le saturant, c’est-à-dire en ajoutant des harmoniques et en déformant légèrement la forme d’onde. Elle sert à rendre le son plus puissant, plus agressif ou plus expressif, en accentuant certaines fréquences et en créant une texture particulière.
Principalement utilisée dans le rock ou le métal, la distorsion sur une guitare électrique transforme un son clair en un riff lourd et tranchant, capable de dominer le mix.
Downtempo
Le downtempo désigne un style ou une section de morceau jouée à un tempo lent. Il sert à créer une atmosphère relaxante, introspective ou planante, en donnant à la musique un rythme plus posé et fluide.
Drums
Les drums désignent l’ensemble des instruments de percussion d’un morceau, incluant le kick, la caisse claire, les toms, les cymbales et les hi-hats. Ils servent à créer le rythme, structurer la musique et soutenir les autres éléments du morceau. Dans la production moderne, les drums sont souvent programmés ou enregistrés dans un DAW, ce qui permet de les éditer, d’ajuster le timing, la dynamique et d’ajouter des effets pour façonner le groove et la texture rythmique du morceau.
Drum kit
Un drum kit est un pack de drums, très souvent vendu en ligne, qui regroupe des sons de batterie prêts à l’emploi. Il permet aux producteurs de gagner du temps en disposant directement de kicks, caisses claires, hi-hats, toms et percussions variées, facilitant ainsi la création de beats sans avoir à enregistrer chaque élément.
E
Égalisation
L’égalisation, ou EQ, est un processus en production musicale qui consiste à ajuster le volume de certaines fréquences d’un son ou d’un mix. Elle sert à améliorer la clarté, l’équilibre et la définition des instruments ou des voix, et à éviter que certaines fréquences ne se chevauchent.
En pratique, l’égalisation permet, par exemple, de renforcer les basses d’un kick, d’atténuer les médiums d’une guitare ou de mettre en avant la présence d’une voix. Elle est un outil essentiel dans le mixage pour sculpter chaque élément et garantir que tous les sons s’intègrent harmonieusement dans le morceau.
Extended Play (EP)
Un Extended Play (EP) est un format musical qui contient plus de morceaux qu’un single mais moins qu’un album complet. Il sert à présenter plusieurs titres d’un artiste sans produire un album entier, permettant de montrer sa direction musicale ou d’expérimenter de nouveaux styles.
Un EP peut inclure 3 à 6 morceaux en moyenne et est souvent utilisé pour tester la réception d’un public, introduire un nouvel artiste ou préparer la sortie d’un futur album.
F
Fade-in
Fade-out
Featuring
Freestyle
Fréquence
La fréquence correspond au nombre de vibrations d’un son par seconde, mesuré en hertz (Hz). Elle détermine la hauteur d’un son. Plus la fréquence est élevée, plus le son est aigu ; à l’inverse, une fréquence basse produit un son grave.
En production musicale, la maîtrise des fréquences est essentielle pour équilibrer un mix et donner de la clarté aux morceaux. Par exemple, les basses fréquences concernent les instruments graves comme la grosse caisse ou la basse, tandis que les hautes fréquences s’appliquent aux cymbales, aux voix aériennes ou aux effets brillants.
FX
Le terme FX, désigne l’ensemble des effets sonores utilisés dans la production musicale pour modifier, enrichir ou transformer un son. Ces effets peuvent être appliqués à des voix, des instruments ou à un mix complet afin de créer une ambiance, accentuer une émotion ou donner de la profondeur au morceau.
G
Gamme
Une gamme est une suite ordonnée de notes qui sert de base à la composition, à l’improvisation et à l’harmonie musicale. Elle définit l’univers sonore d’un morceau et influence directement son ambiance, sa couleur et ses émotions.
Chaque gamme repose sur une logique d’intervalles (écarts entre les notes). La gamme majeure produit une sensation lumineuse et harmonieuse, tandis que la gamme mineure évoque souvent la mélancolie ou la tension.
H
Hat
Le hat, ou hi-hat, est un composant de la batterie composé de deux cymbales placées l’une sur l’autre et actionnées par une pédale. Il sert à marquer le rythme et à ajouter des textures rythmiques plus fines dans un morceau.
Le hi-hat peut être joué ouvert (produisant un son prolongé et brillant) ou fermé (produisant un son court et sec), et il est essentiel pour structurer le groove et donner du mouvement aux beats. Aujourd’hui, les hi-hats sont souvent programmés dans un logiciel DAW, permettant de créer des patterns précis et complexes, indispensables dans la production de tout genre.
Hook
Un hook est un élément musical ou vocal conçu pour captiver immédiatement l’attention de l’auditeur. Il sert à rendre un morceau mémorable et à ancrer ses idées principales dans l’esprit de celui qui écoute.
Le hook peut être une mélodie, un riff, une phrase chantée ou un motif rythmique répété. Il constitue souvent le cœur du morceau et permet de créer l’impact et la reconnaissance d’une chanson, quel que soit le genre musical.
I
Indie
Le terme indie désigne à l’origine la musique produite de manière indépendante, en dehors des grands labels commerciaux. Il qualifie un style ou une approche artistique qui privilégie la liberté créative, l’expérimentation et une identité propre.
Aujourd’hui, indie englobe à la fois un mode de production et un style musical reconnaissable, souvent caractérisé par des sonorités plus chaleureuses et moins percutantes que celles de la musique mainstream, et une approche DIY (Do It Yourself). Plusieurs sous-genres existent, comme l’indie rock, l’indie pop, l’indie folk ou l’indie électro, chacun ayant ses propres particularités tout en conservant cet esprit indépendant et créatif.
Interlude
Un interlude est une courte section musicale insérée entre deux parties principales d’un morceau ou d’un album. Il sert à créer une pause, introduire une transition ou apporter un changement d’ambiance sans alourdir la composition.
Dans un album, l’interlude peut être instrumental, comporter des samples ou des sons ambiants, et préparer l’auditeur à la prochaine piste. Il permet également de varier le rythme et l’atmosphère, renforçant la cohérence et le storytelling global du projet.
J
Jam
K
Kick
Le kick est un élément central de la batterie dans une production musicale. Il s’agit d’un son grave et percutant, souvent produit par la grosse caisse, qui marque le tempo et donne le rythme principal du morceau. C’est le battement du cœur de la musique : il structure la rythmique et permet aux auditeurs de ressentir physiquement la pulsation.
Dans le hip-hop, le kick est généralement lourd et profond, placé de manière à accentuer le groove et la puissance du beat. Dans le genre pop et très souvent K-pop, le kick peut être plus doux et rond, pour laisser de la place aux mélodies et aux voix.
Un bon kick ne dépend pas seulement de son volume, mais de sa texture, de sa fréquence et de la façon dont il interagit avec les autres sons du mix. C’est lui qui donne la solidité et le mouvement à une production.
L
Layering
Lead
Le lead désigne un instrument ou une voix qui joue la mélodie principale d’un morceau. Il sert à attirer l’attention de l’auditeur et à porter l’identité sonore et émotionnelle de la composition.
Un lead peut être une voix chantée, un synthétiseur, une guitare ou tout autre instrument capable de se démarquer dans le mix. Il est souvent mis en avant par rapport aux pistes d’accompagnement, et peut être accentué par des effets comme la réverbération, le delay ou la modulation pour créer plus de présence et de caractère.
Limiter
Un limiter est un outil de traitement audio qui sert à empêcher qu’un signal dépasse un certain niveau de volume maximal. Il agit comme une barrière, assurant que les pics sonores ne provoquent pas de distorsion ou de saturation indésirable.
En production musicale, le limiter est souvent utilisé en mastering pour maximiser le volume d’un morceau tout en conservant sa clarté et sa dynamique. Il permet de rendre un mix plus puissant et uniforme, en contrôlant les passages les plus forts sans écraser les parties plus douces, garantissant ainsi une écoute agréable sur tous types de systèmes audio.
Long Play (LP)
Un LP, pour Long Play, est un format d’album traditionnel qui contient un nombre important de morceaux et une durée plus longue qu’un EP. Il sert à présenter une œuvre complète, permettant à un artiste d’explorer un univers musical riche et cohérent.
Un LP contient généralement entre 8 et 15 morceaux et offre une expérience d’écoute immersive, avec une progression musicale réfléchie et une narration possible à travers les pistes. Il est utilisé pour marquer une étape importante dans la carrière d’un artiste ou pour présenter un projet conceptuel.
Loudness
Le loudness désigne la perception globale du volume sonore d’un morceau. Il ne se limite pas à l’intensité des pics, mais prend en compte l’ensemble du spectre et la manière dont l’oreille humaine perçoit le son.
En production musicale, le loudness est un critère essentiel pour assurer que le morceau est suffisamment puissant tout en conservant sa clarté et sa dynamique. Les producteurs et ingénieurs du son mesurent souvent le loudness avec des unités comme le LUFS pour comparer et uniformiser le volume entre plusieurs morceaux ou pour la diffusion sur des plateformes musicales.
Loop
Un loop est un morceau audio ou une séquence musicale répétée en boucle. Il sert à créer une base rythmique ou mélodique sur laquelle un morceau peut être construit ou enrichi.
M
Mashup
Mastering
Le mastering est l’étape finale de la production musicale, visant à optimiser et uniformiser un morceau ou un album pour la diffusion. Il sert à améliorer le volume, la clarté, la dynamique et l’équilibre tonal afin que la musique sonne bien sur tous types de systèmes audio.
Pendant le mastering, l’ingénieur ajuste le loudness, l’égalisation, la compression, la limitation et peut corriger de petites imperfections du mix. Cette étape garantit que chaque piste est cohérente, professionnelle et prête à être diffusée, que ce soit en streaming, sur CD ou en vinyle, tout en conservant l’identité sonore et l’émotion du morceau.
Mesure
La mesure est une unité de temps en musique qui organise les sons et les silences en sections régulières, facilitant le rythme et la lecture d’un morceau. Elle sert à structurer le tempo et à créer des repères pour les musiciens et les producteurs.
Chaque mesure contient un nombre fixe de temps, indiqué par la signature rythmique (par exemple 4/4, 3/4 ou 6/8). Les accents et les rythmes à l’intérieur de la mesure permettent de donner du groove et de la dynamique à la composition.
Métronome
Le métronome est un outil qui émet un clic régulier pour marquer le tempo d’un morceau. Il sert à aider les musiciens et producteurs à garder un rythme constant lors de la composition, de l’enregistrement ou de la pratique instrumentale.
Il peut être mécanique ou numérique et se règle en BPM (battements par minute). Le métronome est utilisé pour synchroniser les instruments, structurer les mesures et s’assurer que chaque section du morceau reste cohérente.
Mixage
Le mixage est le processus de combiner et d’équilibrer toutes les pistes d’un morceau pour créer un enregistrement cohérent et agréable à l’écoute. Il sert à organiser les niveaux sonores, les panoramiques, les fréquences et les effets afin que chaque instrument et voix trouve sa place dans le mix.
Pendant le mixage, le producteur ou l’ingénieur du son ajuste le volume, applique la compression, l’égalisation, la réverbération, le delay et d’autres traitements pour donner de la profondeur, de la clarté et du punch à la production.
Mixtape
Une mixtape est une compilation musicale, souvent constituée de morceaux originaux, de reprises, de freestyles ou de remixes, regroupés dans un seul projet. Elle sert à présenter un artiste, tester de nouvelles idées ou partager de la musique avec un public sans passer par la sortie officielle d’un album.
Les mixtapes sont particulièrement populaires dans l’univers hip-hop, où elles permettent aux artistes de se faire connaître, expérimenter des sons et créer un lien direct avec leurs fans. Elles peuvent être distribuées gratuitement ou en ligne, et offrent une liberté créative plus grande qu’un album traditionnel, avec moins de contraintes commerciales ou éditoriales.
Modulation
La modulation désigne le changement de tonalité au sein d’un morceau. Elle sert à créer de la variété, de la tension ou un effet émotionnel en déplaçant la musique d’une tonalité à une autre, souvent de manière progressive ou subtile.
Par exemple, un morceau en do majeur peut moduler vers sol majeur pour apporter une sensation de montée ou de renouvellement.
N
Normalisation
La normalisation est un processus en production musicale qui consiste à ajuster le volume d’un fichier audio pour qu’il atteigne un niveau cible sans modifier la dynamique du signal. Elle sert à uniformiser le niveau sonore entre plusieurs pistes ou morceaux, facilitant l’écoute et le mixage.
Dans les faits, la normalisation augmente ou diminue le gain global d’un fichier afin que le pic maximal atteigne une valeur définie, sans compresser, ni altérer les nuances du son. Elle est souvent utilisée avant le mastering ou lors de la préparation de fichiers pour la diffusion sur des plateformes musicales.
Note
Une note est un son musical unique caractérisé par trois éléments principaux : sa hauteur (déterminant si le son est aigu ou grave), sa durée (le temps pendant lequel la note est jouée) et son intensité (le volume ou la force du son). Elle sert de brique fondamentale pour construire les mélodies, les harmonies et les rythmes d’un morceau.
Chaque note correspond à une fréquence précise, mesurée en hertz, ce qui permet de différencier un do d’un ré ou un mi d’un fa. Les notes sont combinées pour créer des mélodies et des accords, et elles définissent également la structure harmonique d’un morceau.
Les notes de musique peuvent être jouées sur des instruments acoustiques, enregistrées via des microphones ou programmées dans un logiciel DAW à l’aide de séquenceurs et d’instruments virtuels.
O
Outro
Overdrive
L’overdrive est un effet audio qui reproduit le son saturé d’un amplificateur lorsqu’il est poussé à forte puissance. Il ajoute de la chaleur, du grain et de la distorsion au signal, ce qui donne une texture plus agressive et expressive au son, notamment sur les guitares, les basses ou les synthétiseurs.
À l’origine, cet effet provenait naturellement des amplis à lampes surchauffés, mais il est aujourd’hui recréé par des pédales ou des plugins. En production électronique, il est souvent utilisé pour donner du caractère à une basse ou rendre un mix plus dense.
P
Partition
Percussion
Une percussion est un instrument de musique qui produit un son lorsqu’on le frappe, le secoue ou le gratte, et qui sert principalement à créer et structurer le rythme d’un morceau. Elle joue un rôle essentiel dans la dynamique et le groove, en accentuant les temps forts et en donnant de l’énergie à la composition.
Les percussions peuvent être acoustiques ou électroniques, et comprennent des instruments comme la caisse claire, le tambourin, le djembé, les congas, le shaker ou même des sons programmés dans un sampler. Elles sont utilisées pour maintenir le tempo, enrichir les textures sonores et renforcer l’impact rythmique du morceau.
Posse
Un posse désigne un groupe d’artistes ou de rappeurs qui collaborent régulièrement sur des morceaux ou au sein d’un même collectif. Dans le hip-hop, un posse peut apparaître sur des posse cuts, des chansons où chaque membre délivre un couplet distinct, mettant en avant le talent individuel tout en montrant la force du groupe.
Pré-refrain
Le pré-refrain est une section d’une chanson qui précède le refrain et sert à préparer l’arrivée du refrain. Il crée une montée en tension et en énergie, accentuant l’impact du refrain.
Le pré-refrain peut contenir des paroles et une mélodie différentes du couplet, tout en maintenant la cohérence harmonique et rythmique du morceau.
Pressage
Le pressage désigne le processus de fabrication physique d’un support musical, comme un vinyle, un CD ou une cassette. Il sert à produire des copies destinées à la vente ou à la distribution.
Le pressage implique de graver ou d’imprimer le contenu sonore sur le support, en respectant la qualité audio et les normes de production. Il est utilisé par les artistes et les labels pour commercialiser leur musique, proposer des éditions limitées ou collector, et permettre aux auditeurs de posséder une version tangible et durable de l’œuvre.
Progression d’accords
Une progression d’accords est une succession d’accords joués dans un ordre précis pour créer l’harmonie d’un morceau. Elle sert à structurer la musique, soutenir la mélodie et guider l’émotion de l’auditeur.
Par exemple, une progression classique en do majeur pourrait être C – G – Am – F, créant un sentiment de mouvement et de résolution. Les progressions d’accords permettent aux compositeurs de développer des ambiances, des tensions et des moments forts dans leurs morceaux.
Publishing
Le publishing (édition musicale) désigne la gestion des droits d’auteur et des revenus liés aux compositions musicales. Il sert à protéger les créations, percevoir les revenus et assurer la diffusion légale des œuvres.
Les sociétés d’édition musicale ou éditeurs travaillent avec les auteurs-compositeurs pour collecter les droits issus des diffusions, ventes, performances ou synchronisations (films, séries, publicités). Le publishing garantit que les créateurs reçoivent une rémunération équitable pour l’utilisation de leurs compositions et permet de gérer la protection légale et la monétisation de leur musique à l’échelle internationale.
Punchline
Une punchline est une phrase percutante ou un vers marquant dans une chanson, souvent utilisé dans le rap pour faire impression, surprendre ou transmettre un message fort. Elle sert à captiver l’auditeur et à mettre en valeur la créativité et la technique de l’artiste.
Q
Quantification
R
Re-amping
Le re-amping est une technique d’enregistrement qui consiste à réutiliser une piste audio préalablement enregistrée (souvent une guitare ou une basse) pour la faire repasser dans un amplificateur ou un autre équipement analogique, puis à l’enregistrer à nouveau.
Cette méthode permet de modifier le son après coup, sans avoir à rejouer la partie. Par exemple, un guitariste peut enregistrer une prise propre (signal direct), puis tester différents amplis, micros ou effets jusqu’à obtenir la texture sonore idéale.
Le re-amping est très utilisé en studio professionnel, car il offre une grande flexibilité créative et permet d’ajuster le caractère du son en post-production, tout en conservant la performance originale de l’artiste.
Refrain (Chorus)
Un chorus (ou le refrain) est une section d’un morceau qui se répète plusieurs fois et contient généralement le message principal ou la phrase la plus mémorable. Il sert à marquer l’identité de la chanson et à captiver l’auditeur. En général, le chorus regroupe la mélodie et les paroles principales, accompagnés d’instruments et de voix harmonisées pour renforcer l’impact émotionnel.
Reference Track (piste de référence)
Une piste de référence (ou reference track) est un morceau utilisé comme point de comparaison pendant la création, le mixage ou le mastering d’un titre. Elle sert de guide sonore pour aider le producteur, l’ingénieur du son ou l’artiste à atteindre un résultat cohérent et professionnel.
En s’appuyant sur une piste de référence, on peut observer le niveau sonore, la dynamique, le placement des instruments, la qualité du mix, ou encore la couleur sonore souhaitée. Cela permet de calibrer son propre morceau afin qu’il s’aligne sur les standards d’un style précis, tout en conservant sa propre identité artistique.
Cette méthode est fortement conseillée par des grands producteurs de musique, qui importent la piste choisie dans leur logiciel de production pour comparer régulièrement leur travail et ajuster les paramètres de mixage en conséquence.
Remix
Un remix est une réinterprétation ou une version modifiée d’un morceau existant. Il sert à donner une nouvelle identité au titre, en changeant le rythme, les instruments, les effets ou même la structure de la chanson originale.
Le remix peut être utilisé pour adapter un morceau à différents styles musicaux, comme transformer une chanson pop en électro, par exemple.
Réverbération
La réverbération (ou reverb) est un effet audio qui simule la manière dont le son se propage et rebondit dans un espace. Lorsqu’un son est émis dans une pièce, il ne s’arrête pas net ; il se reflète sur les murs, le sol et le plafond, créant une sensation de profondeur et d’ambiance.
En production musicale, la réverbération est utilisée pour donner de la dimension et de la chaleur à un enregistrement. Elle permet de faire sentir qu’un instrument ou une voix se trouve dans un lieu précis, qu’il s’agisse d’une petite salle, d’une église, d’un club ou d’une grande scène.
Les producteurs s’en servent pour rendre un mix plus vivant, équilibrer les éléments d’une composition et créer une atmosphère immersive, qu’elle soit douce et intime ou vaste et spatiale.
S
Sample
Un sample est un extrait audio préenregistré utilisé dans une nouvelle production musicale. Il peut s’agir d’une boucle, d’un instrument, d’une voix ou d’un son environnemental, réutilisé pour créer un morceau original.
Le sampling est largement utilisé sur la scène hip-hop, pour construire des beats, enrichir des arrangements ou ajouter des textures uniques. Un sample peut être modifié, découpé, transposé ou filtré pour s’adapter au morceau.
Lorsqu’un sample est utilisé légalement, la répartition des revenus entre l’artiste original et le producteur du nouveau morceau est souvent négociée, généralement via un pourcentage des droits d’auteur ou un paiement forfaitaire, afin de rémunérer correctement le propriétaire du son original tout en permettant la création de nouvelles œuvres.
Séquenceur
Un séquenceur est un outil ou logiciel qui permet de programmer, organiser et jouer des événements musicaux dans le temps. Il sert à structurer les pistes, les notes MIDI et les patterns rythmiques pour créer un morceau de manière précise et cohérente.
Le séquenceur est utilisé dans la production moderne pour composer des beats, arranger des mélodies, automatiser des effets et coordonner différents instruments. Il peut être intégré dans un logiciel de production ou être un appareil autonome, et permet aux producteurs de visualiser et contrôler chaque élément du morceau, facilitant ainsi l’expérimentation et la construction d’arrangements complexes.
Setlist
Une setlist est la liste des morceaux qu’un artiste ou un groupe prévoit de jouer lors d’un concert ou d’une performance live. Elle sert à organiser la progression du spectacle, maintenir l’énergie et garantir une expérience cohérente pour le public.
Shaker
Le shaker est un instrument de percussion qui produit un son sec et rythmé lorsqu’on le secoue. Il sert à renforcer le groove et la dynamique d’un morceau, en ajoutant des textures subtiles ou des pointes rythmiques.
Il peut être joué seul ou en combinaison avec d’autres percussions comme la caisse claire, le tambourin ou les congas, pour créer des patterns rythmiques variés et entraînants.
Snare
La snare est un élément de batterie produisant un son sec et claquant, souvent utilisé pour marquer le temps fort d’une mesure. Elle sert à structurer le rythme et accentuer le groove d’un morceau.
Elle peut être jouée sur une batterie acoustique ou programmée dans une logiciel de production, et est souvent combinée avec d’autres percussions pour créer des patterns rythmiques.
Songwriting
Le songwriting désigne l’art d’écrire et de composer une chanson, en combinant paroles, mélodie, harmonie et structure. Il sert à transmettre des émotions, raconter une histoire et captiver l’auditeur.
Le songwriting inclut la création des couplets, refrains, bridges, hooks et autres sections, ainsi que la construction de mélodies et progressions d’accords cohérentes.
Sound design
Le sound design est l’art de créer, sculpter et manipuler des sons pour les utiliser dans la musique, le cinéma, les jeux vidéo ou tout autre média audio. Il sert à donner une identité sonore unique, renforcer l’atmosphère et enrichir l’expérience auditive.
En musique, le sound design implique la création de sons de synthétiseur, d’effets, de textures ou de bruitages, souvent à partir de zéro ou en transformant des enregistrements existants. Les producteurs utilisent des synthés, samplers et effets pour façonner chaque élément sonore, afin qu’il s’intègre parfaitement au morceau et apporte originalité et caractère à la production.
Stem
Un stem est une piste audio regroupant un ou plusieurs éléments d’un morceau, comme les voix, la batterie, la basse ou les instruments, exportée séparément pour faciliter le mixage ou le remix. Il sert à garder le contrôle sur chaque partie du morceau tout en permettant une manipulation flexible du son.
Les stems sont utilisés pour le mixage, le mastering, les remixes ou les performances live, offrant la possibilité d’ajuster individuellement le volume, l’égalisation ou les effets de chaque élément sans affecter les autres.
T
Tempo
Le tempo correspond à la vitesse d’un morceau, c’est-à-dire au rythme auquel il est joué. Il est mesuré en BPM (battements par minute). Plus le nombre de BPM est élevé, plus la chanson est rapide, à l’inverse, un tempo faible donne une ambiance plus lente et posée.
Le tempo influence directement l’énergie et les émotions d’une production musicale. Un tempo autour de 70 à 90 BPM crée souvent une sensation de groove ou de lenteur, typique du hip-hop boom bap. Entre 100 et 130 BPM, on retrouve des rythmes plus dansants, fréquents dans la musique funk ou la pop. Les tempos plus rapides, au-delà de 140 BPM, apportent une énergie intense, courante dans des genres comme la trap, le drum and bass ou certains morceaux jazz fusion.
En production, le tempo sert aussi de repère pour caler les instruments, les percussions et les voix afin que tout reste synchronisé dans le morceau.
Timbre
Le timbre désigne la couleur ou la texture sonore d’un instrument, d’une voix ou d’un son. C’est ce qui permet de distinguer deux sons jouant la même note à la même intensité.
Le timbre joue un rôle essentiel dans l’identité d’un morceau car il influence son atmosphère et son émotion. Un timbre chaud et rond évoque souvent la douceur ou la nostalgie (comme dans le jazz ou la soul), tandis qu’un timbre métallique, saturé ou agressif peut apporter de la tension ou de l’énergie (souvent utilisé dans le rap ou le rock).
En beatmaking et en production, travailler le timbre consiste à sculpter le son à l’aide d’effets (EQ, distorsion, etc.) pour créer une signature sonore unique.
Tonalité
La tonalité est le centre harmonique d’un morceau, déterminé par une note principale appelée tonique et par une gamme de notes qui lui est associée. Elle sert à organiser les accords et les mélodies, donnant une cohérence et une couleur musicale à la composition. Par exemple, si vous composez un morceau country en mi, la tonalité de mi définit quelles notes et quels accords sonnent naturellement et crée l’ambiance typique de la musique country. Les improvisations, les riffs de guitare et les lignes de chant s’appuient sur cette tonalité pour rester harmonieuses avec toutes les sections du morceau.
Tracklisting
Le tracklisting est la liste ordonnée des morceaux d’un album, d’un EP ou d’une mixtape. Il sert à structurer l’expérience d’écoute et à mettre en valeur (si nécessaire), un storytelling musical.
U
Unisson
Upbeat
Uptempo
Underground
Le terme underground désigne la musique ou la scène artistique qui évolue en dehors des circuits commerciaux et médiatiques principaux. Il sert à qualifier des artistes ou des mouvements qui privilégient la créativité, l’originalité et l’authenticité plutôt que la popularité ou le profit.
Dans la pratique, la musique underground peut inclure différents genres, du hip-hop expérimental à l’électro avant-gardiste ou au punk indépendant. Elle se caractérise souvent par une diffusion limitée, via des concerts intimistes, des plateformes en ligne ou des labels indépendants, et par une esthétique qui valorise l’innovation et l’expression personnelle plutôt que les normes commerciales.
V
VST
W
Waveform (forme d'ondes)
X
Xfer Serum
Y
Yellow noise
Z
Zero crossing
Le zero crossing est le point où l’onde audio traverse la ligne de zéro amplitude. Il sert à couper ou éditer un signal sans créer de clics ou de distorsions indésirables. Lors du montage d’un sample ou d’une boucle, on place souvent la coupe exactement au zero crossing pour que la transition entre deux sons soit propre et naturelle.